什么是真实(什么是真实主义歌剧)

什么是真实主义歌剧

贾科莫·普契尼(PucciniGiacomao，1858—1924年)，是继威尔第之后意大利最伟大的歌剧作曲家，是“真实主义”歌剧乐派的代表人物。

普契尼的作品多是以现实主义创作出来的，伴有浓重的乡村风格，为当时的人们所喜爱。他一生写了12部歌剧，几乎每一部在上演时都是座无虚席。虽然有一段时间，他的作品很少，因为车祸差点丧命，但是在晚年时期，他还是创作出来至今仍为观众所喜爱的《杜兰朵公主》。这部作品直至他去世时都没有完成，是由后辈续写完成的。

什么是真实主义歌剧的特点

19世纪中期意大利歌剧代表作人物有：

1、卓阿基诺・罗西尼十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一。2、居塞比・威尔第意大利伟大的歌剧作曲家。有 “意大利革命的音乐大师”之称。一生创作了26部歌剧，善用意大利民间音调，因之具有强烈的感人力量，使威尔第成为世界上最受欢迎的歌剧作曲家之一。3、吉亚卡摩・普契尼，意大利歌剧作家。是十九世纪末至欧战前真实主义歌剧流派的代表人物之一。

真实主义歌剧名词解释

说歌剧起源于1600年前后，是因为1600年意大利作曲家佩里创作的尤丽狄斯是现存最早的歌剧，但这部歌剧还不太成熟。1607年蒙特维尔第创作的奥菲欧是第一部近代愿意义上的歌剧。歌剧是一门舞台表演艺术，是以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。歌剧在17世纪，即1600年前后才出现在意大利的佛罗伦萨，它源自古希腊戏剧的剧场音乐。

真实主义歌剧的三大特征

瓦格纳的歌剧带有深刻的思想和文化内涵，其意义不止于娱乐或音乐艺术。首先，他尝试着在歌剧中表达出德意志民族的情感和历史，强调每一个人都应该为国家、宗教和家庭的荣耀而牺牲。

其次，瓦格纳强调了个人的奉献和超越，人们应该追求真正的目的，做出更大的牺牲以换取更高贵的价值。

此外，他也深刻探讨了爱情、人性、宗教和自由等主题，使得观众可以进行深刻的思考和探索。总的来说，瓦格纳的歌剧不仅是一种音乐艺术，更是一种哲学、文化和思想的表达，具有深远的意义和影响。

什么是真实主义歌剧作品

歌剧体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。歌剧是以歌唱为主综合诗歌、音乐、舞蹈等艺术的戏剧。中国歌剧《江姐》、《洪湖赤卫队》、西洋歌剧《卡门》、《费加罗的婚礼》、《图兰朵》等深受广大人民的喜爱。 　

真实主义歌剧的代表人物

19世纪末，受现实主义文学的影响，意大利出现了一种新的歌剧艺术――真实主义歌剧。

真实主义歌剧作曲家们力求真实地反映社会底层人们的贫苦生活和他们的悲欢离合，以此暴露社会的黑暗面。

这类歌剧有着他们独具的特征，成为当时意大利歌剧的主导方向。

真实主义歌剧有什么内容

　　透亮的莫扎特与棕黑的真实主义，这两个看似风马牛不相及的范畴在《卡门》中碰头相遇。出现这个奇迹，在整个歌剧史中仅此一次

　　歌剧《卡门》以鲜活的音乐笔触，叙述了一个悲惨的爱情故事。音乐色调的明亮与叙事内容的阴暗，两者间构成强烈反差。这种奇妙的品格不仅成就了作曲家比才的不朽伟业，也使小说家梅里美的原作在歌剧《卡门》面前相形失色。举凡文学名著的改编，陷入简化、稀释乃至歪曲的窘境，为数并不在少。仅歌剧中的文学改编，古诺的《浮士德》和托马斯的《哈姆莱特》均是简化稀释的有名例证，就连威尔第的《奥赛罗》这样被公认可与莎翁原作平起平坐的歌剧改编，也是以损失文学原作的诸多精华为代价。歌剧《卡门》的罕见在于，它不仅保留了原小说的真髓，而且通过音乐的独特力量，从根本上转化和提升了原小说的艺术品质。梅里美的《卡门》充其量是一部“著名的”短篇小说，而比才的《卡门》则具有充分资格被看作是一部“伟大的”歌剧。

　　在梅里美的小说《卡门》出版近三十年之后，比才主动建议采用这一题材写作歌剧，显然他是意识到了该故事中的深刻内涵和音乐潜能。尽管此剧排演时就因故事情节的大胆刺激备受挫折，但比才坚持己见，力排众议，终于将此剧搬上巴黎喜歌剧院舞台。可惜的是，比才不久因病谢世，无缘看到歌剧《卡门》在全世界舞台上的辉煌凯旋。自1875年至今，《卡门》盛演不衰，一直是观众最喜爱的歌剧之一。《卡门》通过歌剧，通过音乐，走向世界。

　　自“卡门”经梅里美之手诞生以来，这个名字已经成为西方文化中一个具有多维象征意味的著名符号。在近一百六十年的演化史中，“卡门”这个女性人物吸引各路英杰，历经文学、音乐、电影、舞蹈等不同媒介的诠释，但只有在歌剧《卡门》中，“她”才获得了充实饱满和有血有肉的本体存在。这是一个必须依靠音乐的呼吸才能获得全部生命的人物，她的妖冶、狂放、热情和坚决，她全身的感官性魔力，几乎“本能地”召唤音乐的加入——因为音乐在所有艺术媒介中，是一种最有效的直刺神经的感官武器。以音乐塑造卡门，优势不言而喻。卡门似专为音乐而生，音乐也在期待着卡门。

　　比才用自己的生动音乐为《卡门》注入灼热的南欧色调和浓郁的西班牙风情。在喧闹的塞维利亚街头和人声鼎沸的斗牛喝彩背后，演绎着一出令人惊诧的情爱悲剧。龙骑兵何塞受卡门诱惑，拜倒在卡门裙下。但两人发生龃龉，何塞以死要挟，卡门拒不屈从，最终导致惨剧。直截了当的情节，个性鲜明的人物，配以光彩夺目的音乐和节奏铿锵的舞蹈。德国哲学家尼采曾连续观赏《卡门》二十次之多，他的一席话至今仍保留着当时因兴奋异常而忘乎所以的口吻：“这音乐令人愉快，但并非法式或德式的愉快，而是非洲的愉快。宿命笼罩着它；它的快乐短暂、突然、不求谅解。我羡慕比才有勇气表达这种欧洲文雅音乐先前没有语言可以表达的感性——这种更为南方、棕黑、烧灼的感性……还有爱情，被移到大自然中的爱情！爱情作为一种命运，一种灾难，讽刺、直白、残酷，就像大自然本身！结束这部作品的唐·何塞的最后喊叫——‘是我杀死了她，我……我亲爱的卡门！’，如此严峻、如此可怕地表现出构成爱情核心的悲剧性反讽，我从来没有见过。”

　　到底是精通音乐的大思想家。尼采以其典型的尖锐感受力，一针见血地击中了歌剧《卡门》的实质。不错，《卡门》写的是爱情。但是，《卡门》不仅仅是在写爱情。或者说，《卡门》中的爱情不是一般意义上的爱情。它通过爱情，写出了感性生命的不可预测与不可捉摸，也连带写出了人生命运的乖戾、盲目和无情。卡门，一个吉普赛女郎，美貌泼辣，桀骜不驯。她是所有男人的猎物，又是所有男性的陷阱。何塞，一个普通士兵，循规蹈矩，恪尽职守。但他不自觉走入卡门的魔圈，厄运从此缠身，直至走向毁灭。这就是感性生命的原初状态——“南方、棕黑、烧灼”；这也就是爱情的本真原型——“讽刺、直白、残酷”。

　　然而，在歌剧《卡门》中，残酷的生活真实和刺目的道德悖论却从不给人以压抑和沉重的感觉。这必须归功于比才的音乐才智和敏锐判断力。“命运”的主导动机是不祥而阴沉的，但难得在音乐中刻意渲染，而且常常跟随卡门的身影，一变转型为小鸟式的轻盈灵活。卡门的音乐配置始终充满半音的诱惑和舞曲的节律，其音乐勾人魂魄的魅力否决了观众对她进行正统道德判断的可能。何塞令人同情又让人唾弃，比才利用音乐的色调变化充分展示了他的犹豫，无奈，情不自禁，痛不欲生，以及最后的歇斯底里。就连有点让人讨厌的斗牛士，比才也通过一曲雄健豪放的《斗牛士之歌》，使这个没有多少戏剧分量的人物在观众脑海中打下深深印记。

　　歌剧《卡门》通过这种“举重若轻”的处理，以轻松自如和明快干练的笔调描绘出一幅灼热的南国生活画面。如本文开头所言，这种黑白互衬、明暗相映、正反交错正是《卡门》最突出的艺术特质。《卡门》揭示出人生正面价值（爱情与自由）与负面威胁（堕落与死亡）具有反讽意味的相辅相成。它以逼真的写实展现出人性的辩证悲剧，但绝无半分多余的浪漫眼泪。这得力于作曲家能以超然物外而又体贴入微的心态对待他笔下的每一个人物和每一个情境。为此，比才在《卡门》中获得了堪与莫扎特媲美的成就。《卡门》在莫扎特辞世八十余年后，在不同的环境和条件下再现了莫扎特般的智慧，同时又预示了真实主义的来临。透亮的莫扎特与棕黑的真实主义，这两个看似风马牛不相及的范畴在《卡门》中碰头相遇。出现这个奇迹，在整个歌剧史中仅此一次。

真实主义歌剧和现实主义歌剧

在德国的歌剧史上，有一个人被称为“德国浪漫主义歌剧创始人”，大家知道他是谁吗？他就是韦伯。

在文艺复兴运动期间，德国的作曲家们就一直希望自己能够创作出属于德国自己的歌剧。

然而，不知道是德国的歌剧艺术发展太迟缓还是被发展较快的意大利和法国歌剧压制住了，总之，德国的歌剧始终不见起色。就在德国人民失望之际，韦伯出现了，而他带来的德国歌剧也成了浪漫主义的象征。

韦伯出身于一个戏剧之家，对德国民间音乐、风俗文化有很深的体验，这对他以后的音乐创作具有重要的意义。

韦伯是一个真正的浪漫者，这不仅指民族主义的兴起，或是在题材上对遥远的中世纪民间传说的热衷，还在于他用浪漫派诗人的笔法，把歌剧的意境融化在大自然之中，他早期创作的歌剧作品已开始孕育着浪漫主义倾向。

后来，韦伯的代表作一一歌剧《自由射手》出世，那浓郁的德国风格和浪漫气息，被认为是德国第一部浪漫主义歌剧的标志，而他也因此成为德国现代歌剧开宗立派的人。在韦伯笔下，《自由射手》的音效渲染了一种阴冷幽暗的森林意境。

实际上，德国北部的森林中就实实在在地弥漫着这种阴暗的气氛，没有维也纳森林阳光明媚的爽朗亲切。韦伯用管弦乐音色的奇特色彩，给了《自由射手》一种超自然的幻想，也让浪漫主义的音乐在这些幻想的景象中找到了新的吸引力。

的生活》。他作为浪漫主义音乐的先辈，在创作、演出、指挥和社会活动方面都进行了积极的努力，为新的浪漫主义音乐艺术开辟了道路。

真实主义歌剧是十九世纪晚期出现在什么的一种歌剧风格

简答：巴黎圣母院歌剧的艺术特点是浪漫主义风格，具有强烈的情感表现和音乐性。

深入分析：巴黎圣母院歌剧是法国作曲家加斯东·勒鲁的代表作品，于1831年首演。该歌剧的艺术特点主要表现在以下几个方面：

1.浪漫主义风格：巴黎圣母院歌剧是浪漫主义音乐的代表作之一。它强调情感表现和个性化的艺术风格，反对古典主义的规范和约束。在音乐上，歌剧采用了大量的旋律和和声，强调情感的表达和音乐的感染力。

2.强烈的情感表现：巴黎圣母院歌剧的情节充满了悲剧色彩，主人公昆廷和埃斯梅拉尔达之间的爱情故事充满了痛苦和悲伤。歌剧中的音乐也充满了情感的表达，如昆廷的“思乡曲”和埃斯梅拉尔达的“魅惑之歌”等，都是情感深沉、动人心弦的旋律。

3.音乐性强：巴黎圣母院歌剧的音乐性非常强，它采用了大量的合唱、重唱和独唱等形式，音乐的节奏和旋律变化多样，充满了动感和活力。同时，歌剧中的音乐也非常具有戏剧性，它能够很好地配合剧情的发展，增强戏剧效果。

优质建议：如果你对巴黎圣母院歌剧感兴趣，可以多听多看相关的音乐和演出，了解更多关于浪漫主义音乐的知识和历史背景。同时，也可以学习一些音乐理论和技巧，提高自己的音乐素养和欣赏能力。如果你想成为一名音乐家或歌剧演员，可以多参加音乐比赛和演出，提高自己的演奏和表演水平。最重要的是，要保持对音乐的热爱和追求，不断学习和进步。

什么是真实主义歌剧,代表人物有哪些

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

贝多芬是古典主义音乐的终结者，也是浪漫主义音乐的现行人。浪漫主义音乐摒弃了古典主义音乐的以旋律为主体的统一性，强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和伴音。浪漫主义歌剧的代表是韦伯，音乐的代表是舒伯特。浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，出现了法国的柏辽兹、意大利的罗西尼、匈牙利的李斯特、波兰的肖邦和俄罗斯的柴可夫斯基。浪漫主义音乐终结在瓦格纳和勃拉姆斯时代。